Ζωγραφικά και χαρακτικά έργα του Κωνσταντίνου Γραμματόπουλου

Έκθεση στο Ίδρυμα Β. & Μ. Θεοχαράκη

Δίνοντας την ευκαιρία στο φιλότεχνο κοινό να γνωρίσει το πολυεπίπεδο έργο ενός μεγάλου χαράκτη και ζωγράφου, η έκθεση «Κωνσταντίνος Γραμματόπουλος: Ζωγραφική - Χαρακτική», εγκαινιάζεται από την υπουργό Τουρισμού, κ. Όλγα Κεφαλογιάννη, στο Ίδρυμα Β. & Μ. Θεοχαράκη, την Πέμπτη 19 Ιουνίου, στις 8 το βράδυ.

Στην έκθεση, παρουσιάζονται περισσότερα από 150 πολύτιμα έργα του Κωνσταντίνου Γραμματόπουλου (1916 - 2003), αποτυπώνοντας το πλούσιο έργο του από το 1930 έως το 1991. Συγκεκριμένα, η έκθεση περιλαμβάνει τις πολυσυζητημένες αφίσες ενάντια στους Ιταλούς κατακτητές, που έγιναν αφορμή να συλληφθεί κατά τη διάρκεια της κατοχής, τις προσωπογραφίες Ελλήνων λογοτεχνών (Σικελιανός, Παλαμάς, Βενέζης, Τερζάκης κ.ά.), τα αγαπημένα σε όλους «Αλφαβητάρια» του Δημοτικού Σχολείου, καθώς και τα βιβλία των Π. Σ. Δέλτα, Π. Πρεβελάκη, Π. Χάρη, Ν. Βρεττάκου, μεταξύ άλλων, με τις αξεπέραστες εικονογραφήσεις, τις έγχρωμες ξυλογραφίες με την απόδοση των ελληνικών τοπίων και τις ελαιογραφίες του, αποκαλύπτοντας μέσα από την ιδιότυπη παραστατική τους απόδοση το έργο ενός πρωτεργάτη της σύγχρονης τέχνης.

Ο ήλιος, 1988, λάδι σε μουσαμά, 70 x 90 εκ., Ιδιωτική Συλλογή.

 Με συνέπεια στον εσωτερικό οραματικό του κόσμο

Η έκθεση συνοδεύεται από ομότιτλο κατάλογο, με κείμενα των Καθηγητών της ΑΣΚΤ, Μιχάλη Αρφαρά και Γιώργου Μήλιου, και του επιμελητή της και διευθυντή του Εικαστικού Προγράμματος του Ιδρύματος, Τάκη Μαυρωτά, ο οποίος σημειώνει: «Ο Γραμματόπουλος, στα εξήντα ένα συναπτά έτη της δημιουργικής του δράσης, υποστήριζε με το ίδιο πάθος τη ζωγραφική και τη χαρακτική, εδραιώνοντας τη θέση του ανάμεσα στους καταξιωμένους διαμορφωτές της σύγχρονης ελληνικής τέχνης. Με σθένος διεύρυνε τις αισθητικές μας αντιλήψεις, υποστηρίζοντας ότι: “Η φαντασία δεν είναι τίποτε άλλο, παρά μια ελεύθερη ανάπλαση της μνήμης. Το σχέδιο με γραμμές είναι η πιο παλαιά (αρχέγονη) αφαίρεση στην τέχνη”.

Χαράκτης και ζωγράφος, με συνέπεια στον εσωτερικό οραματικό του κόσμο, με μια επίμονη ματιά απέναντι στη γαλήνια ενατένιση της ζωής και του φωτός της Ελλάδας, μας άφησε ένα έργο που χαρακτηρίζεται, πέρα από το προσωπικό ζωγραφικό του ύφος, από το φως των ιδεών που διαπερνά το σύνολο της δουλειάς του και, παράλληλα, εγγυάται τη συνοχή της …

 Ως χαράκτης, δούλεψε καινοτομικά, δημιουργώντας έναν νέο δρόμο ιδιότυπης απόδοσης της οπτικής πραγματικότητας, ιδιαίτερα στα τοπία του. Εκείνο, που πρωταρχικά τον ενδιέφερε, ήταν να κατακτήσει μια άλλη εικόνα της Ελλάδος, περισσότερο ποιητική, με έμφαση στη λεπτή χρωματική διατύπωση. Έτσι, από τη σειρά των έγχρωμων ξυλογραφιών, κυρίως σε πλάγιο ξύλο, από το Αιγαίο έως την Ολυμπία και από τους Δελφούς έως την Αττική, παρατηρούμε ότι, μέσω των μεγάλων διαστάσεων, ευρηματικά αξιοποιεί τα λευκά τυπώματα, κερδίζοντας μια απρόσμενη φωταύγεια…

 Ο ζωγραφικός του κόσμος συνομιλεί άμεσα με το χαρακτικό του έργο. Εκείνο, που βασανιστικά τον απασχολούσε, ήταν να ξεφύγει από την κλασική έκφραση και να δώσει προβάδισμα στην εμπιστοσύνη της όρασης του φυσικού και της φαντασίας. Η δημιουργική του δράση έχεις την αίσθηση ότι ήταν αστείρευτη, με έμφαση στο σχέδιο και τη δύναμη της γραμμής, η οποία προβάλλεται αντικλασική και αυτοτελής.
Η ζωγραφική και η χαρακτική του, λουσμένες από το μεσογειακό φως, το γαλάζιο του αιθέρα και τον ρόγχο του πελάγους, αποκαλύπτουν το προσωπικό του αλφάβητο, μια εικονογραφία, η οποία προκαλεί το όνειρο της ποιητικής ενατένισης του πραγματικού».



Με πλούσιο έργο και διακρίσεις

Ο Κωνσταντίνος Γραμματόπουλος γεννήθηκε στην Αθήνα, το 1916. Σπούδασε ζωγραφική και χαρακτική στην Ανωτάτη Σχολή Καλών Τεχνών της Αθήνας. Το 1944, ξεκίνησε η επαγγελματική του δραστηριότητα με τη δημιουργία σειράς προσωπογραφιών πολλών μεγάλων Ελλήνων λογοτεχνών για το περιοδικό Νέα Εστία  και με την εικονογράφηση 100 και πλέον λογοτεχνικών και εκπαιδευτικών βιβλίων. Ευρέως γνωστά είναι τα δύο αλφαβητάρια της πρώτης Δημοτικού που εικονογράφησε το 1949 και το 1955, αφού κατέλαβε την πρώτη θέση στους δύο αντίστοιχους πανελλήνιους διαγωνισμούς του Οργανισμού Εκδόσεως Σχολικών Βιβλίων (ΟΕΣΒ).

 Κωνσταντίνος Γραμματόπουλος.

 Συνέχισε τις σπουδές του με υποτροφία στο Παρίσι. Το 1959, εκλέχθηκε τακτικός καθηγητής στην ΑΣΚΤ, στην έδρα της χαρακτικής. Καθηγητής διατέλεσε μέχρι το 1985 και, για αρκετά χρόνια, υπήρξε διευθυντής και Πρύτανής της. Το 1968, εκπροσώπησε την Ελλάδα στην 34η Μπιενάλε της Βενετίας και το 1972, του απονεμήθηκε το Χρυσό Μετάλλιο Χαρακτικής στην Μπιενάλε της Φλωρεντίας. Το 1974, φιλοτέχνησε το σημερινό Εθνόσημο της Ελληνικής Δημοκρατίας. Έφυγε από τη ζωή τον Οκτώβριο του 2003, σε ηλικία 87 ετών, ύστερα από πολύχρονη ασθένεια, η οποία τον κράτησε μακριά από τη δημιουργία για δέκα περίπου χρόνια.

Πληροφορίες
Ίδρυμα Εικαστικών Τεχνών και Μουσικής Β. & Μ. Θεοχαράκη: Βασ. Σοφίας 9 & Μέρλιν 1 - Αθήνα, τηλ.: 210 3611206. Διάρκεια έκθεσης: 19 Ιουνίου - 5 Οκτωβρίου. Ημέρες και ώρες λειτουργίας: Δευτέρα, Τρίτη, Τετάρτη, Παρασκευή, Σάββατο, Κυριακή: 10:00 - 18:00, Πέμπτη: 10:00 - 20:00 (Ιούλιος - Αύγουστος: 10.00 - 18.00).
Πηγή:

naftemporiki.gr

Συλλογικές τελετουργίες σε μια περίοδο κρίσης

Αξιοποιώντας ποικίλες καλλιτεχνικές μεθόδους, η έκθεση Tempus Ritualis σκοπεύει να διερευνήσει και να παρουσιάσει νέες τελετουργικές φόρμες, καθώς αυτές εξελίσσονται. Ο συνδυασμός αυτών των δύο εννοιών εκφράζει το ενδιαφέρον για τη φύση του παρόντος χρόνου και για την δυνατότητά του να παράγει νέες συνέχειες. Τι είναι αυτό που χαρακτηρίζει την εποχή μας και τι είδους συλλογικές τελετουργίες αναδύονται σε μια περίοδο κρίσης;


Η ελληνική κοινωνία έχει αλλάξει ραγδαία από το 2009. Υπάρχουν, ωστόσο, και παρά την κρίση, καινούριες εξελίξεις στην κοινωνική μικροκλίμακα; Στην καλλιτεχνική κοινότητα για παράδειγμα, σε ποιό βαθμό μπορούμε να δούμε ισχυρότερη κοινωνική συνοχή, ένα διαρκή διάλογο και μια πιο φιλική ατμόσφαιρα; Και τι είδους νέοι ορισμοί μπορούν να ανιχνευθούν για έννοιες όπως κοινότητες σε κρίση, συλλογικότητες, παραγωγή τοπικότητας ή ακόμη και η φιλία;
Η έκθεση Tempus Ritualis συλλέγει φόρμες γνώσης και φαντασίας. Πρόκειται για οπτικό υλικό που θα μπορέσει να χρησιμεύσει στο μέλλον ως καταγραφή μιας ιστορικής στιγμής και που ενδεχομένως θα χρησιμοποιηθεί ως βάση για την αναψηλάφηση της μνήμης. Εξετάζει επίσης μεθόδους αρχειοθέτησης τόσο της σύγχρονης όσο και ιστορικής γνώσης, καθώς και τη σχέση τους με το καλλιτεχνικό έργο, τις συλλογικές φόρμες και τους μηχανισμούς παραγωγής ταυτότητας.
Το πρότζεκτ συνδυάζει οπτικές από την Ελλάδα, το εξωτερικό και τη διασπορά, μέσα από τις πρακτικές διαφορετικών καλλιτεχνών που δημιουργούν νέα έργα και συμμετέχουν σε ένα διάλογο.

Το πρότζεκτ είναι μια πρωτοβουλία της Χριστίνας Δημητριάδη, της Ευανθίας Τσαντίλα και της Κριστίνε Νίππε. Η στενή σχέση που έχουν οι καλλιτέχνιδες Χριστίνα Δημητριάδη και Ευανθία Τσαντίλα με την Ελλάδα και τη Γερμανία, καθώς και η εντατική εργασία τους και στις δύο χώρες, επιτρέπει –μέσω της καλλιτεχνικής πρακτικής- μια σε βάθος εξέταση των διαφορετικών παραδόσεων. Η Κριστίνε Νίππε, ανθρωπολόγος και ιστορικός της τέχνης, με εκτενή πείρα στην επιμέλεια και διοργάνωση εκθέσεων, ενισχύει τον διεπιστημονικό χαρακτήρα της ομάδας.
Η έκθεση Tempus Ritualis υποστηρίζεται από το Κρατικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Θεσσαλονίκης και παρουσιάζεται στο Κέντρο Σύγχρονης. Στο Βερολίνο, η έκθεση υποστηρίζεται από το Bezirksamt Neukölln Fachbereich Kultur, και παρουσιάζεται στη Galerie im Körnerpark, Neukölln. Το πρότζεκτ υποστηρίζεται από το Ινστιτούτο Γκαίτε Θεσσαλονίκης, το IFA – Institut für Auslandsbeziehungen e. V., την OUTSET. Greece, την Aegean Airlines και το Ελληνογερμανικό Εμπορικό και Βιομηχανικό Επιμελητήριο.
Συμμετέχοντες: Λένα Αθανασοπούλου, Χριστίνα Δημητριάδη, Νίνα Φίσερ & Μαροάν ελ Σάνι, Πία Γκρέσνερ, Σουζάνε Κρίμανν, Λία Ναλμπαντίδου, Κριστίνε Σουλτς, Εύα Στεφανή, Ευανθία Τσαντίλα
Ιδέα, Οργάνωση, Επιμέλεια: Χριστίνα Δημητριάδη, Κριστίνε Νίππε, Ευανθία Τσαντίλα


Info:
ΚΣΤΘ, Αποθήκη Β1, λιμάνι
Εγκαίνια: Παρασκευή 27 Ιουνίου, 20:30
Διάρκεια έκθεσης: 27.06-30.08.2014
Ξεναγήσεις: Σάββατο 28/6, 5,12,19,26/7 στις 12:00
Περισσότερες πληροφορίες: Κρατικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης
Πηγή: http://www.e-go.gr

Για πρώτη φορά έργα του Michelangelo Pistoletto στην Ελλάδα

Ο Michelangelo Pistoletto – ένας από τους πιο σημαντικούς καλλιτέχνες της Ιταλίας, πρωταγωνιστής της κίνησης «Arte Povera» – θα παρουσιάσει έργα του για πρώτη φορά στην Ελλάδα, στα «Αισχύλεια» της Ελευσίνας, σε μία έκθεση, την επιμέλεια της οποίας έχει η Manuela Gandini, κριτικός τέχνης, καθηγήτρια στην Ακαδημία Καλών Τεχνών (NABA) στο Μιλάνο.


Δύο μεγάλες κατασκευές, ειδικά για μεγάλους χώρους, εμπνευσμένες και σχεδιασμένες για το ελληνικό περιβάλλον, θα διεγείρουν συμβολικά το χώρο και τη σχέση μεταξύ των ανθρώπων και της ιστορίας. Επανασυνδέοντας τα ερείπια του παρελθόντος με αυτά του σήμερα, τον αρχαίο μύθο με την καθημερινότητα, τον άνθρωπο με το θείο, ο καλλιτέχνης θα αφήσει ένα σημάδι δυνατό και στοχευμένο στο χώρο των «Αισχυλείων». Θα παρουσιάσει τον Τρίτο Παράδεισο, και έναν διπλό Λαβύρινθο, με δύο κέντρα. Στο ένα θα υπάρχει ένα τραπέζι αντικατοπτρισμού στο σχήμα της Μεσογείου, ενώ στο άλλο ο νεκρός κορμός ενός δένδρου, απ' όπου θα γεννηθεί ένα νέο κλωνάρι/φυτό.

 Ο «Τρίτος Παράδεισος» είναι ένα σύμβολο – που ο καλλιτέχνης εμπνεύστηκε πριν δέκα χρόνια – το οποίο επανασχεδιάζει το μαθηματικό σχήμα του άπειρου. Στο κέντρο ένωσης των δύο καμπυλών, υπάρχει ένας τρίτος κύκλος, ο οποίος αντιπροσωπεύει τη σύνθεση των δύο εξελικτικών φάσεων του ανθρώπου: τον φυσικό παράδεισο (απ 'όπου ξεπήδησε η ανθρωπότητα) και τον τεχνητό παράδεισο (ο οποίος εκπροσωπείται από την κατάκτηση της τέχνης και της τεχνολογίας). Στη σύγχρονη σύγκρουση των δύο εννοιών (φυσικού και τεχνητού παραδείσου), το κεντρικό σημάδι μεταμορφώνεται στην επείγουσα ανάγκη μίας λύσης. Αυτό πράγματι περιέχει και τις δύο σφαίρες και απεικονίζει τη γενεσιουργό αγκάλη ως ιδανικό τρόπο να ξεπεραστεί η κρίση και η σύγκρουση. Το Δεκέμβριο του 2012, ανατρέποντας την αρνητική εικόνα της προφητείας των Μάγια, ο Pistoletto κήρυξε την «Ημέρα Αναγέννησης|, δημιουργώντας τον «Τρίτο Παράδεισο» σε πάνω από 70 χώρες στον κόσμο, χρησιμοποιώντας πάντα υλικά διαφορετικά μεταξύ τους, όπως καπάκια από μπουκάλια, ρωμαϊκά ερείπια, δαυλούς, άτομα με αναπηρία, λουλούδια, περιβόλια κτλ..

 Στην Ελευσίνα, ο καλλιτέχνης με την επαναστατική πράξη της διάτρησης του εδάφους του προαυλίου του Ελαιουργείου σχεδιάζοντας τη γραμμή του «Τρίτου Παραδείσου», θα επιτύχει την κάθαρση, ανοίγοντας και πάλι την επικοινωνία μεταξύ ουρανού και γης. Μεταξύ του Κάτω Κόσμου (υπεδάφους), όπου το χειμώνα κατοικεί η Περσεφόνη και της επιφάνειας της γης, όπου ζούμε όλοι εμείς. Μεταξύ του κόσμου των νεκρών κι αυτού των ζωντανών. Η Ελευσίνα είναι ο ιδανικός τόπος για να αντιληφθούμε το μήνυμα του Pistoletto, υπό την προοπτική μιας συμβολικής επανασύνδεσης του φυσικού βασιλείου, το οποίο εκπροσωπεί η μορφή της Δήμητρας (η Μητέρα Γη), και του τεχνητού (το οποίο αντιπροσωπεύεται από την ερήμωση/την καταστροφή του περιβάλλοντος βιομηχανικού τοπίου).
Ο Michelangelo Pistoletto συγκαταλέγεται ανάμεσα στους πιο δραστήριους και παραγωγικούς διεθνείς καλλιτέχνες, δημιουργός στη δεκαετίες του '60 και του '70 των Αντικατοπτριστικών Πινάκων (Quadri specchianti) και των Απόντων Αντικειμένων (Oggetti in meno). Το 1998 ιδρύει το Ίδρυμα Pistoletto Cittadellarte (Πόλη της Τέχνης), στην Μπιέλα, ένας τόπος διάδρασης μεταξύ τέχνης και κοινωνίας. Το 2012 οργανώνει την Ημέρα Αναγέννησης, πρώτη οικουμενική ημέρα αναγέννησης. Το 2013, από τον Απρίλιο έως το Σεπτέμβριο, το Μουσείο του Λούβρου στο Παρίσι του οργανώνει μεγάλη ατομική έκθεση με θέμα: Michelangelo Pistoletto, έτος πρώτο – ο Παράδεισος στη γη. Τον ίδιο χρόνο, ο καλλιτέχνης βραβεύεται στο Τόκιο με το Αυτοκρατορικό Βραβείο για τη Ζωγραφική.

ΙΝFO:
Εγκαίνια 30 Αυγούστου 2014
Παλιό Ελαιουργείο Eλευσίνας
Από 30/8/14 έως 5/10/14
Πηγή: http://www.e-go.gr

Vratislav Ševčík | In space |

Η αίθουσα τέχνης Τεχνοχώρος παρουσιάζει την ατομική έκθεση του Τσέχου καλλιτέχνη και καθηγητή στη Σχολή Καλών Τεχνών της Πράγας Vratislav Ševčík με τίτλο «In space».

Ο κριτικός τέχνης και συγγραφέας Jozef  Kroutvor γράφει για τον καλλιτέχνη: «Ζωγράφος και χαράκτης με ισχυρό και έντονο συναισθηματικό κίνητρο και εξίσου πλούσια φαντασία. Το έργο του κυμαίνεται μεταξύ του σχεδιασμού και της λυρικής εκφραστικής αφαίρεσης. Είναι προφανές ότι το έργο του προσδιορίζουν η προσωπική του εμπειρία, οι συγκρούσεις της «ψυχής του ποιητή» με το σύγχρονο πολιτισμό και τον πανταχού παρόντα παραλογισμό.»

O Vratislav Ševčík γεννήθηκε το 1953 στην πόλη Prostějov της Τσεχικής Δημοκρατίας.  Ολοκλήρωσε τις σπουδές του στη Σχολή Μέσης Εκπαίδευσης Εικαστικών Τεχνών του Václav Hollar στην Πράγα (1968 - 1972). Στη συνέχεια σπούδασε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Πράγας, στο ειδικευόμενο εργαστήριο γραφικών τεχνών με τον Καθηγητή Prof. Ladislav Čepelák (1972 – 1978). Από το 1980 διδάσκει σχέδιο και ζωγραφική στο Πολυτεχνείο της Πράγας, Τμήμα Αρχιτεκτονικής, από το 1995 ως Αναπληρωτής Καθηγητής.

Ο Vratislav Ševčík ασχολείται με ελαιογραφίες και ζωγραφική με ακρυλικά χρώματα, λιθογραφία και άλλες τεχνικές της χαρακτικής, ψηφιακές εκτυπώσεις, φωτογραφία και εφαρμοσμένες τέχνες της χαρακτικής (graphic design). Μέσα από το έργο του αναζητάει την αρμονία του ανθρώπινου σώματος και της κίνησής του και τη συνύπαρξη των εσωτερικών και εξωτερικών χώρων  

Πραγματοποίησε ατομικές εκθέσεις και συμμετείχε σε σημαντικές ομαδικές εκθέσεις στην Τσεχία, καθώς και σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες, μεταξύ άλλων στην Ελλάδα, τη Δανία, τη Γαλλία, το Βέλγιο και την Ιταλία. Τα έργα του φιλοξενούν οι συλλογές της Εθνικής Πινακοθήκης της Πράγας, της Πόλης Prostějov, του Μουσείου Τεχνών Frederikshavn Kunstmuseum της Δανίας, του Κέντρου Τεχνών Huis Hellemans Gemeentelijk Kunstcentrum στην πόλη Egedem του Βελγίου και άλλες. Του απονεμήθηκαν πολλές σημαντικές διακρίσεις και βραβεία, μεταξύ άλλων το Βραβείο του Εργαστηρίου της Ακαδημίας Καλών Τεχνών (Πράγα 1978), το Βραβείο της Χαλυβουργίας Poldi (Κλάντνο 1978), και το βραβείο «Εκτύπωση της Χρονιάς» (Πράγα 2005, 2006, 2008 και 2009).     

Από το 2010, ο Vratislav Ševčík ζει και δημιουργεί στην Αθήνα. 

Εγκαίνια έκθεσης: Πέμπτη 3 Ιουλίου

Διάρκεια Έκθεσης:  3 – 30 Ιουλίου 2014

Ημέρες και ώρες λειτουργίας:

Τρίτη, Πέμπτη, Παρασκευή: 11:30 – 15:00 & 18:00 – 21:00

Τετάρτη, Σάββατο: 11:30 – 15:00

Κυριακή, Δευτέρα: Ανοικτά κατόπιν τηλεφωνικού ραντεβού

Αίθουσα τέχνης Τεχνοχώρος

Λεμπέση 4 & Μακρυγιάννη, Αθήνα | metro Ακρόπολη

Τηλέφωνο 211 182 38 18

www.technohoros.org

info@technohoros.org

DESTEFASHIONCOLLECTION: Τα όρια ανάμεσα στην τέχνη και τη μόδα

H έκθεση «DESTEFASHIONCOLLECTION: 1 έως 8» θα παρουσιαστεί στο Μουσείο Μπενάκη, στο Κτήριο της Οδού Πειραιώς από τις 25 Ιουνίου.

 Η έκθεση αυτή σηματοδοτεί τη δεύτερη συνεργασία μεταξύ του Ιδρύματος ΔΕΣΤΕ και του Μουσείου Μπενάκη, η οποία ξεκίνησε στις αρχές του 2014. Η σύμπραξη αυτή αποσκοπεί στην ανάδειξη νέων, ρηξικέλευθων και πρωτότυπων κατευθύνσεων της σύγχρονης καλλιτεχνικής πρακτικής, στην παρουσίαση νέων καλλιτεχνών και σημαντικών έργων στο ευρύ κοινό αλλά και στη στοιχειοθέτηση πρωτότυπων επιμελητικών προτάσεων.

 Το destefashioncollection είναι ένα εν εξελίξει πρότζεκτ του Ιδρύματος ΔΕΣΤΕ το οποίο διερευνά τα όρια ανάμεσα στην τέχνη και τον κόσμο της μόδας. Το destefashioncollection επιχειρεί μια νέα, πολλαπλή συλλεκτική διαδικασία η οποία εξελίσσεται αθροιστικά και εμπλουτίζεται συνεχώς με νέες προτάσεις. Από το 2007 και κάθε χρόνο, ένας καλλιτέχνης (από τον χώρο των εικαστικών τεχνών, της λογοτεχνίας, της αρχιτεκτονικής, του κινηματογράφου κλπ.) καλείται να δημιουργήσει μια πρωτότυπη συλλογή, μια “capsule collection”, επιλέγοντας πέντε κομμάτια από τη διεθνή μόδα της συγκεκριμένης περιόδου και προτείνοντας μια νέα ερμηνεία τους. Από την ερμηνεία αυτή προκύπτει ένα νέο έργο που εστιάζει στις μορφολογικές, αναπαραστατικές, υλικές και κοινωνικές συγγένειες και ανταλλαγές μεταξύ τέχνης και μόδας. Τα αντικείμενα μόδας που επιλέγει ο κάθε καλλιτέχνης για την “κάψουλα”, αλλά και τα έργα τέχνης που δημιουργεί αντλώντας από αυτή, συνθέτουν την κάθε ετήσια συμμετοχή.

 Στο destefashioncollection έχουν συμμετάσχει μέχρι στιγμής οι: Michael Amzalag & Mathias Augustyniak (M/M Paris)- 2007, Juergen Teller - 2008, Helmut Lang - 2009, Patrizia Cavalli - 2010, Charles Ray - 2011, Αθηνά Ραχήλ Τσαγκάρη - 2012, Diller Scofidio + Renfro - 2013, Μαρία Παπαδημητρίου – 2014.

Η έκθεση με τίτλο DESTEFASHIONCOLLECTION: 1 έως 8 συγκεντρώνει το υλικό των οκτώ πρώτων ετών στην εξέλιξη του πρότζεκ. Στόχος της είναι να αντιπαραβάλει τα αντικείμενα που επέλεξαν οι καλλιτέχνες από τον χώρο της μόδας με τις πρωτότυπες “αναγνώσεις” τους, καθώς και να αναδείξει τον τρόπο με τον οποίον συνδέονται ή συνομιλούν μεταξύ τους τα στοιχεία που απαρτίζουν την ευρύτερη “συλλογή”, η οποία περιλαμβάνει μεταξύ άλλων βιβλία καλλιτεχνών και δημοσιεύσεις ειδικά για κάθε μία από τις συμμετοχές.

Πρόκειται για μια έκθεση που δεν εστιάζει αποκλειστικά ούτε στην τέχνη ούτε στη μόδα, αλλά μάλλον στις εντάσεις που αναπτύσσονται ανάμεσα στους δύο κόσμους, στις συγγένειες που τους συνδέουν ή στην απόσταση που τους χωρίζει, καθώς και στo πρόβλημα κατανόησης της έννοιας του “σύγχρονου” όπως αυτή αναδύεται μέσα από τη σχέση τους.

Η έκθεση κινείται στα όρια μεταξύ τέχνης και μόδας, διαμέσου ενός εκθεσιακού “μηχανισμού” και μιας επιμελητικής πρακτικής η οποία αναδυκνείει συνδέσεις ανάμεσα στα στοιχεία κάθε “κάψουλας”, ενώ ταυτόχρονα επαναπροτείνει διαχωρισμούς, διαφορές και διακριτικά γνωρίσματα.


Στο πλαίσιο της έκθεσης λειτουργεί και μια παράλληλη διαδικτυακή πλατφόρμα η οποία διευρύνει την επιμελητική πρόταση μέσω της συλλογικής, αυτοσχεδιαστικής συμμετοχής. Ο συγκεκριμένος διαδικτυακός χώρος είναι συνδεδεμένος με το website του Ιδρύματος ΔΕΣΤΕ ως ένα προσωρινό “microsite” το οποίο θα παρουσιάζεται και στον χώρο της έκθεσης (www.destefashioncollection:1to8.gr).

Επιμέλεια και σχεδιασμός έκθεσης: Νάντια Αργυροπούλου, Adam Μ. Bandler, Mark Wasiuta.
Διοργάνωση: Ίδρυμα ΔΕΣΤΕ σε συνεργασία με το Μουσείο Μπενάκη.
INFO:
Διάρκεια έκθεσης: 25 Ιουνίου- 12 Οκτωβρίου

ΜΟΥΣΕΙΟ ΜΠΕΝΑΚΗ – ΚΤΗΡΙΟ ΟΔΟΥ ΠΕΙΡΑΙΩΣ - Πειραιώς 138
210 345311
Ωράριο Λειτουργίας: Πέμπτη, Κυριακή: 10.00-18.00, Παρασκευή, Σάββατο: 10.00-22.00, , Δευτέρα, Τρίτη, Τετάρτη: Κλειστά
Πηγή:http://www.e-go.gr

Ο Mark Hadjipateras με έργα των τελευταίων 6 ετών

Το Σάββατο 14 Ιουνίου, το Φουγάρο εγκαινιάζει τη FOUGARO THE GALLERY Nafplion με μια μεγάλη ατομική έκθεση του γνωστού εικαστικού Mark Hadjipateras.


Θα είναι η πρώτη φορά μετά το 2008 που το ελληνικό κοινό θα έχει την ευκαιρία να απολαύσει τέτοιου μεγέθους έκθεση του Mark Hadjipateras. H παρουσίαση πραγματοποιείται με την ευγενική συνεργασία της γκαλερί a.antonopoulou.art.
Η έκθεση παρουσιάζει δουλειά των τελευταίων έξι ετών και περιλαμβάνει έργα γλυπτά και επιτοίχια, πολλά από τα οποία εκτίθενται για πρώτη φορά ή έχουν φτιαχτεί ειδικά για αυτή.

Περισσότερα από 100 έργα, κυρίως γλυπτά μικρών και μεγάλων διαστάσεων από fiberglass, μπρούντζο και αλουμίνιο, μονοτυπίες λαδιού και έργα σε καμβά, θα εκτεθούν στο μοναδικό αυτό χώρο 300 τμ. του Φουγάρου, που θα ανοίξει για πρώτη φορά επίσημα στο κοινό.
Επιμέλεια έκθεσης: Φλωρίκα Π. Κυριακοπούλου και Mark Hadjipateras
Κείμενο καταλόγου: Χριστόφορος Μαρίνος
Φωτισμοί: Φίλιππος Κουτσαφτής
Η έκθεση θα πλαισιωθεί με εκπαιδευτικά προγράμματα για παιδιά από τα Εργαστήρια του Φουγάρου και θα οργανώνονται ξεναγήσεις για σχολεία και επισκέπτες.


Info:
Mark Hadjipateras
Εγκαίνια: Σάββατο 14 Ιουνίου 2014 από τις 12 το μεσημέρι έως τα μεσάνυχτα
Διάρκεια έκθεσης: 14 Ιουνίου – 3 Αυγούστου 2014
Ώρες λειτουργίας: Τετάρτη με Κυριακή 18.00 – 23.00 ή κατόπιν συνεννόησης
​Είσοδος Ελεύθερη

Πούλμαν για τα εγκαίνια του Mark Hadjipateras στο Φουγάρο
Για τα εγκαίνια της έκθεσης στις 14 Ιουνίου θα αναχωρήσει πούλμαν στις 10.30 πμ από το σταθμό του μετρό Κατεχάκη για Φουγάρο. Στις 7 μμ το πούλμαν θα αναχωρήσει για Αθήνα (σταθμός Κατεχάκη). Η συμμετοχή είναι ελεύθερη. Κρατήσεις θέσεων: info@fougaro-gallery.gr
Πηγή: http://www.e-go.gr

Αρχαίος πυρετός κατακερματισμένης επίδρασης

Έκθεση «Πυρετός του αρχαίου», στον Σύλλογο Ελλήνων Αρχαιολόγων

Φωτίζοντας την αισθητική του θραύσματος και του κατακερματισμού, μέσα από την επίδραση που έχει ασκήσει η πρακτική της ανασκαφής στη διαμόρφωση της ταυτότητας και της αναπαραστατικής λογικής της νεωτερικότητας, η έκθεση «Πυρετός του αρχαίου» εγκαινιάζεται στον Σύλλογο Ελλήνων Αρχαιολόγων (ΣΕΑ), τη Δευτέρα 2 Ιουνίου, στις 8 το βράδυ.

Σε επιμέλεια της Ευαγγελίας Λεδάκη, η έκθεση, που πραγματοποιείται με τη συμμετοχή πολλών καλλιτεχνών και θα διαρκέσει έως τις 21 Ιουνίου, με ελεύθερη είσοδο για το κοινό, θέτει, επίσης, διερωτήσεις σχετικά με τη σημασία που έχει λάβει η ανάσυρση του παρελθοντικού αποσπάσματος στη σύγχρονη ελληνική συνθήκη και στο ιδεολόγημα του συλλογικού αυτοπροσδιορισμού.

Μέσα από την αισθητική του θραύσματος

Οι συστηματικές ανασκαφές, που πραγματοποιήθηκαν υπό τη σκιά των ιδεών του νεοκλασικισμού, του ρομαντισμού και του αναδυόμενου ευρωπαϊκού εθνικισμού, έφεραν στο φως πολυάριθμα - έως τότε αθέατα - αποσπάσματα πρότερων πολιτισμών. Η κατάσταση των ευρημάτων, παρά τις φθορές και την ελλειπτικότητα των μορφών, εξιδανικεύτηκε και επηρέασε με τρόπο μεθύστερο τη δυτική αντιληπτικότητα, κυρίως ως προς τη σύσταση των κριτηρίων διάκρισης του υψηλού. Διαμόρφωσε, μάλιστα, όχι μόνο έναν πλαστικό προσανατολισμό, αλλά και μία ιδεολογική, ηθική και αισθητική παρακαταθήκη. Μέσα από αυτήν τη διαδικασία, εγκαταστάθηκε στον δυτικό κανόνα της νεωτερικότητας εκείνο, που, μέχρι τότε, μόνο ψηγματικά αναφαινόταν: η αισθητική του θραύσματος, η ποιητική της ελλειπτικής αφήγησης, της απόκρυψης, της απώθησης και του υπαινιγμού, και σε διαλεκτική αντιδιαστολή, η λογική του αρχείου (ως υποκατάσταση του ασύνταχτα δομημένου πρωτοαποικιακού cabinet of curiosities), η ανάγκη ανάκλησης, εξιστόρησης και τακτοποίησης ενός υφιστάμενου υλικού, η εκ των υστέρων απόδοση νοήματος, η αναψηλάφηση.


Η ποιητική του θραύσματος γεφυρώνεται στην έκθεση «Πυρετός του αρχαίου», με την αίσθηση αποσύνδεσης που βιώνουν τα νεωτερικά υποκείμενα. Η εμπειρία της αποπραγματοποίησης του παρόντος, η ανεξέλεγκτη ορμή νοηματοδότησης διαμέσου του διαφεύγοντος και του περασμένου, η κατάτμηση και ο κατακερματισμός, συνιστούν το αντικείμενο της διαπραγμάτευσης των καλλιτεχνικών πρακτικών, που συνυφαίνονται στο επιμελητικό εγχείρημα.



Προς εξεύρεση των συντεταγμένων του πραγματικού

Η έκθεση, πάνω από όλα, επιζητεί να υπενθυμίσει την αναγκαιότητα εξεύρεσης των συντεταγμένων του πραγματικού και προκρίνει το κοίταγμα προς μια εμπεδωμένη προοπτική, το υποστύλωμα πάνω σε μία βάση, που ενδέχεται να σταθμίσει τους επισφαλείς συσχετισμούς και να κατευνάσει τη συγκρουσιακή ταλάντευση της εγχώριας ταυτότητάς, της πληγμένης από παλινδρομικές μετατοπίσεις σε θέσεις εκτός του βιώσιμου. Τελικώς, αποτείνεται σε μία τοποθέτηση πέρα από τη συνεχή επικαιροποίηση του αρχαίου / αρχείου (επομένως, έξω από την εξουσία του περασμένου), αναζητώντας τις δοκιμές συμμετρίας μεταξύ παρόντος και παρελθόντος.

 Οι καλλιτέχνες
Στην έκθεση, συμμετέχουν οι καλλιτέχνες: Πάκυ Βλασσοπούλου, Κωστής Βελώνης, Ευθύμης Θέου / Ηλέκτρα Αγγελοπούλου / Ανθή Ευστρατιάδου, Λίζη Καλλιγά, Αλέξανδρος Λάιος, Κώστας Μπασάνος, Γιάννης Παπαδόπουλος, Νίνα Παπακωνσταντίνου, Δημήτρης Φουτρής, Κώστας Χριστόπουλος. Σχεδιασμός οπτικής ταυτότητας: Χρήστος Κωτσίνης, συντονισμός: Φώτης Γεωργιάδης - Ευαγγελία Λεδάκη.
Πληροφορίες
Σύλλογος Ελλήνων Αρχαιολόγων: Ερμού 134 - 136, Αθήνα, τηλ.: 210 3252214. Ώρες λειτουργίας έκθεσης: Δευτέρα, Σάββατο και Κυριακή: 13.00 - 17.30, Τρίτη: 13.00 - 21.00.
Πηγή:naftemporiki.gr

Έλληνας φωτογράφος, ο μεγάλος νικητής παγκόσμιου διαγωνισμού

Ο Νίκος Φωκάς κέρδισε την πρώτη θέση σε παγκόσμιο διαγωνισμό φωτογραφίας πουλιών

 Ο Νίκος Φωκάς είναι ο μεγάλος νικητής του «Handbook of the Birds of the World» (HBW)-«World Bird Photo Contest», του παγκόσμιου διαγωνισμού φωτογραφίας πουλιών, που διοργάνωσαν για δεύτερη χρονιά οι εκδόσεις «Lynx Edicions».

Πέρασε αμέτρητες ώρες περιμένοντας, επί δύο χρόνια, και έκανε πάνω από 3.000 κλικ με τη φωτογραφική του κάμερα για να πετύχει ένα μικρό πουλάκι να πετάει πάνω από το νερό, ψάχνοντας για τροφή.  Η τεχνική του, όπως και η υπομονή του, βραβεύτηκαν σε έναν παγκόσμιο διαγωνισμό φωτογραφίας, όπου παρά τον σκληρό ανταγωνισμό από τους χιλιάδες συμμετέχοντες, κατόρθωσε να κατακτήσει την πρώτη θέση.

Η φωτογραφία, που χάρισε τη νίκη στον Έλληνα φωτογράφο, απεικονίζει ένα στακτοπετροχελίδονο (αλλιώς ωχροσταχτάρα ή Apus pallidus ή Pallid Swift), ένα αποδημητικό είδος, το οποίο περνά σχεδόν ολόκληρη τη ζωή του πετώντας. Αυτό, άλλωστε, υπονοεί και η επιστημονική ονομασία του, που προέρχεται από την αρχαία ελληνική άπους, Apous, που σημαίνει «χωρίς πόδια».

 «Στη μελέτη μου για το συγκεκριμένο πουλί, παρατήρησα ότι πλησιάζουν πολύ κοντά στο νερό για να φάνε μικρά έντομα. Βρήκα, λοιπόν, ένα σημείο στα Σπάτα και ακολουθώντας μια ειδική τεχνική προεστίασης, έστησα καραούλι. Η βραβευμένη φωτογραφία προήλθε μετά από 3.000 αποτυχημένα κλικ, σε διάρκεια 2 χρόνων» ανέφερε ο Νίκος Φωκάς, ο οποίος εργάζεται ως περιβαλλοντολόγος στο Τμήμα Περιβάλλοντος του Διεθνούς Αερολιμένα Αθηνών «Ελευθέριος Βενιζέλος».

«Μια καλή φωτογραφία με πουλιά δεν είναι θέμα τύχης, όπως πιστεύουν μερικοί, αλλά απαιτεί αμέτρητες ώρες δουλειάς και μελέτης για το είδος» πρόσθεσε ο 35άχρονος φωτογράφος,  ο οποίος δηλώνει αποφασισμένος να συνεχίσει τις εξορμήσεις στην Αττική αλλά και σε υγροβιότοπους της Ελλάδας για να απαθανατίσει τα αγαπημένα του πουλιά,  που αποτελούν ένα εξαιρετικά δύσκολο είδος φωτογράφισης.
Πηγή:naftemporiki.gr

7η Μπιενάλε των Φοιτητών των Σχολών Καλών Τεχνών

Η 7η Μπιενάλε των Φοιτητών των Σχολών Καλών Τεχνών Ελλάδας φιλοξενούνται στο Ίδρυμα Βασίλη και Μαρίνας Θεοχαράκη.

Εκατό φοιτητές των Σχολών Καλών Τεχνών της Αθήνας, της Θεσσαλονίκης και της Φλώρινας συμμετέχουν με έργα τους στην 7η Μπιενάλε των Φοιτητών, που οργανώνουν η εικαστική εφημερίδα «Τα Νέα της Τέχνης» σε συνεργασία με το Γραφείο Διασύνδεσης της Ανωτάτης Σχολής Καλών Τεχνών.

Η έκθεση της Μπιενάλε και η απονομή των βραβείων για τα διακριθέντα έργα θα γίνει στο Ίδρυμα Θεοχαράκη, Βασιλίσσης Σοφίας και Μέρλιν, την Πέμπτη στις 5 Ιουνίου 2014 στις 8μ.μ., ενώ για το κοινό θα είναι ανοικτή από τις 6-15 Ιουνίου.
Την έκθεση θα εγκαινιάσει ο πρόεδρος του Τμήματος Εικαστικών της Ανωτάτης Σχολής Καλών Τεχνών, Πάνος Χαραλάμπους και θα μιλήσουν εκπρόσωποι των Σχολών και των διοργανωτών.

Η Μπιενάλε ξεκίνησε το 1997 ως ετήσιος διαγωνισμός με τη συμμετοχή φοιτητών από την ΑΣΚΤ και το 2000 θεσμοθετήθηκε ως Μπιενάλε των φοιτητών όλων των Σχολών Καλών Τεχνών Ελλάδας, καθώς στη διοργάνωση εντάχθηκαν η Σχολή Καλών Τεχνών της Θεσσαλονίκης και αργότερα η Σχολή της Φλώρινας.
Το 2005 η Έκθεση των έργων «ταξίδεψε» στον Καναδά μετά από πρόσκληση του ελληνικού Προξενείου και εντάχθηκε σε δύο μεγάλες διεθνείς Εκθέσεις στην πόλη του Τορόντο.
Τα τρία βραβεία και οι τρεις έπαινοι που αποδίδονται επιλέγονται από Επιτροπή Καθηγητών των τριών Σχολών και των διοργανωτών.

 Η έκθεση θα λειτουργεί από τις 6-15 Ιουνίου 2014 και οι ώρες λειτουργίας της θα είναι καθημερινά και Σαββατοκύριακο 10 π.μ-6 μ.μ. και Πέμπτη 10 π.μ.-8 μ.μ.
Ίδρυμα Εικαστικών Τεχνών και Μουσικής
Βασίλη και Μαρίνας Θεοχαράκη
Βασιλίσσης Σοφίας 9 & Μέρλιν 1
106 71 Αθήνα
Τ: 210-3611206 (εσ. 1051)
W: www.thf.gr Πηγή:http://www.e-go.gr

Σύγχρονη τέχνη στο Costa Navarino

Η Costa Navarino παρουσιάζει για δεύτερη χρονιά, την πλατφόρμα σύγχρονης τέχνης «Engaging Art», καλώντας τους επισκέπτες στο Navarino Dunes, να συμμετάσχουν ενεργά στην τέχνη, όπως αυτή παρουσιάζεται και θα εξελίσσεται στην έκθεση «Mimicry».


H βραβευμένη πλατφόρμα σύγχρονης τέχνης «Costa Navarino: Engaging Art» επιστρέφει με την έκθεση «Mimicry».


Η πλατφόρμα «Costa Navarino: Engaging Art» φιλοδοξεί να αποτελέσει μία μόνιμη σκηνή σύγχρονης εικαστικής δημιουργίας για Έλληνες και ξένους καλλιτέχνες. Κύριο σημείο αυτής της καλλιτεχνικής εμπειρίας είναι ότι οι συμμετέχοντες in-residence καλλιτέχνες δημιουργούν το επόμενο έργο τους κατά τη διάρκεια της έκθεσης, παρουσία των επισκεπτών των ξενοδοχείων The Romanos, a Luxury Collection Resort και The Westin Resort Costa Navarino, οι οποίοι έχουν την ευκαιρία να συμμετέχουν στη δημιουργική διαδικασία του κάθε καλλιτέχνη.
Το project που ξεκίνησε πέρυσι με μεγάλη επιτυχία και ανταπόκριση, βραβεύθηκε στα Worldwide Hospitality Awards 2013, στην κατηγορία «Best Innovation: Public Area».
Στην έκθεση «Mimicry» που έχει επιμεληθεί ο εννοιολογικός καλλιτέχνης Δημήτρης Αντωνίτσης και θα διαρκέσει έως τις 14 Σεπτεμβρίου, συμμετέχουν πέντε καλλιτέχνες οι οποίοι παρουσιάζουν διαδοχικά τις ατομικές τους εκθέσεις: Δημήτρης Αντωνίτσης, Ryusuke Kido, Μάρθα Δημητροπούλου, Εύα Μήταλα και Carsten Fock.


Για το «Mimicry», αναφέρει σχετικά ο επιμελητής: «Στην εξελικτική βιολογία ορίζεται ως μιμητισμός, το φαινόμενο κατά το οποίο δύο ή περισσότεροι οργανισμοί, μοιάζουν εντυπωσιακά μεταξύ τους. Η μίμηση αυτή ενεργεί ως προστατευτικό καμουφλάρισμα, ενώ ο διεθνής όρος για το φαινόμενο αυτό είναι η λέξη mimicry και ισχύει από το 1637. Παράλληλα, στην Αρχαία Ελλάδα η μίμηση είναι η ιδέα που διέπει κάθε έργο τέχνης με την έννοια της προσέγγισης του αρχέτυπου ομορφιάς, αλήθειας και αρετής. Έτσι και οι πέντε καλλιτέχνες της φετινής έκθεσης διερευνούν με το εικαστικό τους λεξιλόγιο τρόπους αφομοίωσης και προσαρμογής στο περιβάλλον προκαλώντας με τα έργα τους φιλοσοφικούς συνειρμούς για το σύγχρονο τρόπο ζωής και σκέψης».
Η τέχνη έχει διαδραματίσει σημαντικό ρόλο στην Costa Navarino από την αρχή της λειτουργίας της. Πρωτότυπα και σπάνια έργα του 17ου, 18ου και 19ου αιώνα, παράλληλα με τα έργα γνωστών σύγχρονων εικαστικών από όλο τον κόσμο, καθώς και νέων καλλιτεχνών που δημιούργησαν εμπνεόμενοι από τη φύση και τα περιβαλλοντικά έργα της Costa Navarino, καταδεικνύουν τη σημασία που έχει η τέχνη σε κάθε χώρο.


Συμμετέχοντες καλλιτέχνες:
ΔΗΜΗΤΡΗΣ ΑΝΤΩΝΙΤΣΗΣ (έως 1.6)
Γεννήθηκε στην Αθήνα το 1966. Σπούδασε Μηχανολόγος Μηχανικός στο ETH της Ζυρίχης Ελβετίας και Rensselaer Polytechnic Institute της Νέας Υόρκης (Master of Science). Βραβεύθηκε για την μικρού μήκους ταινία του, «Περασμένα Μεγαλεία και Τωρινές Στεναχώριες» σε συνεργασία με το στούντιο ταινιών του Robert de Niro. Τα έργα του έχουν ευρέως παρουσιαστεί σε 15 ατομικές και 35 ομαδικές εκθέσεις. Εχει δημοσιεύσει τη μονογραφία "Showhungry" (Koan) και σε μια photonovella "Αγάθων ή Πανικός στη Βαϊμάρη» (Futura). Τα έργα του Αντωνίτση περιλαμβάνονται σε διάφορες συλλογές: Εθνικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Αθήνα - Μακεδονικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Θεσσαλονίκη - Ίδρυμα ΔΕΣΤΕ, Αθήνα - Fondazione per la Fotografia, Τορίνο, Ιταλία - Benedikt Taschen Collection, Κολωνία, Γερμανία. Στην έκθεση Μimicry παρουσιάζει τρία έργα από τη σειρά Soul Substitutes και δημιουργεί ένα νέο κολάζ χρησιμοποιώντας φωτογραφικό υλικό διασημοτήτων από τη δεκαετία του '60 και ασημί δέρμα.


RYUSUKE KIDO (2.6 - 27.7)
Γεννημένος στο Τόκιο, το 1984, όπου ζει και εργάζεται. Έλαβε Μεταπτυχιακό Δίπλωμα από το Πανεπιστήμιο Καλών Τεχνών του Τόκιο, με ειδίκευση στη γλυπτική. Το έργο του έχει παρουσιαστεί σε 4 ατομικές και 15 ομαδικές εκθέσεις . Τα βασικά μοτίβα του έργου του τροφοδοτούνται από την (επι)δράση του νερού και της φωτιάς σε φθαρτά υλικά. Το 2012 ξεκίνησε να δημιουργεί έργα από καθημερινά υλικά, σε μια προσπάθεια να εξετάσει το ουσιώδες και το εφήμερο. Στο κύριο του έργο, ο Ryusuke Kido έχει χρησιμοποιήσει υλικά όπως το μάρμαρο, το ξύλο και το μέταλλο για να καταγράψει τις συνεχώς μεταβλητή φύση του νερού και της φωτιάς πάνω τους. Στο Mimicry παρουσιάζει το Eternal Future και το Bubble. Ο Kido θα παρουσιαζει τη μέθοδο κατασκευής του έργου του Eternal Future και θα δημιουργεί ένα γλυπτό, σκαλίζοντας έναν κορμό ελιάς 500 ετών.
ΜΑΡΘΑ ΔΗΜΗΤΡΟΠΟΥΛΟΥ (28.7-24.8)
Γεννήθηκε , το 1972 στην Αθήνα, όπου ζει και εργάζεται. Σπούδασε στην Ανωτάτη Σχολή Καλών Τεχνών ( ΑΣΚΤ ), την Escuola Di Bellas Artes, Βαλένθια, Ισπανία. Έκανε το μεταπτυχιακό της στην Γλυπτική με υποτροφία στο Royal College of Art, στο Λονδίνο και PD (Professional Διδακτορικό) με υποτροφία στη Σχολή Καλών Τεχνών στο Πανεπιστήμιο του East London. Έχει συμμετάσχει σε δέκα ομαδικές εκθέσεις στην Ελλάδα, την Ιταλία , στη Μεγάλη Βρετανία και σε τρεις ατομικές εκθέσεις στην Ελλάδα, στο Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης Ιλεάνα Τούντα και στο Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης, στη Ρόδο. Από το 1998 μέχρι σήμερα έχει λάβει επαίνους και βραβεία για το μοναδικό έργο τέχνης της. H Δημητροπούλου θα χρησιμοποιήσει την εντυπωσιακή τεχνική με τις πευκοβελόνες για να δημιουργήσει ένα μοντέλο του απειλούμενου με εξαφάνιση Αφρικανικού Χαμαιλέοντα που συναντάται στην Ευρώπη, μόνο στη λιμνοθάλασσα της Γιάλοβας.


ΕΥΑ ΜΗΤΑΛΑ (25.8-14.9)
Ζει και εργάζεται στο Βερολίνο. Σπούδασε στην Ανωτάτη Σχολή Καλών Τεχνών (2000-2005) της Αθήνας. Το 2006 συμμετείχε σε πρόγραμμα στην Κούβα για την καταγραφή της παράδοσης Γιορούμπα. Παρουσίασε τα έργα της σε 2 ατομικές εκθέσεις στο Τόκιο και σε ομαδικές εκθέσεις στην Ελλάδα. Στα έργα της έκθεσης, η καλλιτέχνης μεταφέρει σε έπιπλα εσωτερικών χώρων όψεις από κτίρια αναφορές στην αρχιτεκτονική του Βερολίνου. Η Μήταλα επιδεικνύει την τεχνική μεταξοτυπίας και οι επισκέπτες μπορούν να φέρουν τα δικά τους T - shirts για να διακοσμηθούν με μεταξοτυπίες σχεδιασμένες από την καλλιτέχνιδα.
CARSTEN FOCK (25.8-14.9)
Γεννήθηκε στη Γερμανία , το 1968 , ζει και εργάζεται στο Βερολίνο. Σπούδασε Καλές Τέχνες στο Hochschule der Βildenden Künste , Kassel κα ιστο Städelschule Frankfurt / Main, στο τμήμα των Georg Herold και Per Kirkeby . Έλαβε το μεταπτυχιακό του από τον Per Kirkeby. Έχει λάβει υποτροφίες ( 2007 , 2009) και πολλαπλά βραβεία. Στην έκθεση παρουσιάζει το έργο Neue Heimat. ένα χαλί κατασκευασμένο στο Νεπάλ. Ο Fock θα δημιουργεί σχέδια για ένα νέο χαλί και οι επισκέπτες μπορούν να συμμετέχουν στο σχεδιασμό του νέου του έργου.
Για περισσότερες πληροφορίες:
www.costanavarino.gr
Πηγή: http://www.e-go.gr